Venga ese dibujito de la semana 12

Ayer durante todo el día me estuve mentalizando para acabar este dibujo, que ya se me estaba alargando demasiado en el tiempo. Y me estuve mentalizando porque lo cierto es que hacía pereza para ponerme, había que liarse con los detalles y sobre todo, mi pesadilla, la textura del suelo, que intuía iba a ser un poco coñazo.
En fin, a ello que me puse, empezando primeramente por el escorpión y más exactamente por la zona dorsal, que ami juicio y junto con la cabeza era la parte más compleja. Sin más, estuve haciendo las sombras más intensas y aclarando ciertas líneas con la goma de miga de pan:

En esta fase también me encargué de perfilar las patas y corregir algunos errores de claroscuro. Con todo ello ya apañado, llegó el momento delicado de trabajar las pinzas. Ean delicadas por la textura y el juego de luces y sombras, tenían que dar la impresión de tener muchas pequeñas protuberancias en la superficie pero a la vez había que dar cuenta del brillo que presentaban y todo ello sin que pareciesen muy artificiales. Así fue la cosa:

Y bien, aunque no me quejo excesivamente, las zonas claras tenían que haber sido mucho más claras. La verdad es que hay que tener cuidado con las áreas de sombra, porque si tienen mucha cantidad de carboncillo, es difícil luego sacar una luz muy intensa (o sea, hacer que se vea el blanco original del papel) ya que ha quedado integrado en la fibra del propio papel. Sin embargo, me resulta difícil detenerme a tener esto en cuenta, porque considero que es mejor en primer lugar meter una buena mancha sobre la que luego se sacarán las luces. Cosas a tener en cuenta ;).
Para finalizar, había dejado el trabajo de la cola y el suelo. La cola, que me daba algo de respeto, resultó ser bastante asequible y en menos tiempo de lo esperado, ya estaba terminada y muy en consonancia con el resto del animal. Y sobre el suelo... no sé qué decir, hay una parte muy trabajada (no tanto en el tiempo, sino más bien en la textura) que es la que coresponde con el sector de la derecha y de arriba. Y después hay una parte que por ser demasiado clara, en general no ha quedado bien resuelta, a saber, debajo del arácnido. Como quería hacer algo sintético y no entretenerme a dibujar todos los granos de arena, fui alternando diferentes valores de línea (unas más finas, otras con mayor presión sobre el papel, etc.) y eso ha funcionado bien en general. Luego tiré de goma para dar más textura, pero para mi gusto ha quedado demasiado plano. Es un pequeño punto negro en el conjunto del dibujo, pero lo dejé aquí porque también tengo que ir solucionando los diferentes dibujos con más agilidad, porque se me va el tiempoooo.
Aquí el aspecto final del dibujo de la semana 12:

Así en pequeño gana un montón, pero también es verdad que en la foto no se aprecian todos los detalles, especialmente ciertas luces menores fruto del uso de la goma. ¡Ahí te quedas, escorpión! Vamos pensando ya en lo de la semana 13...

¡Hasta pronto!

Intocables...

Un martes más, el tercero ya, estuve dedicándome a mi cuadro con los Intocables de Hampi. Este título, por desgracia dista mucho de aquellos otros de Eliot Ness. Los Intocables son la casta inferior en la India, y se llaman así porque nadie les debe tocar, ya que se consideran portadores de cualquier mal. Parece que antiguamente tenían que ir con el torso desnudo para que se les pudiese reconocer y su sombra no podía tocar a nadie (es por ello que solían entrar en los pueblos y ciudades de noche). Supersticiones sociales en este caso que jsutifican un statu quo. Sin embargo algunos de estos intocables tienen una función decisiva en la sociedad. Es el caso de los que mantienen el fuego para las cremaciones en Varanasi. Todo el que quiera incinerar un cuerpo debe pasar por ellos, con lo que su rol es fundamental para llevar a cabo un entierro. Si bien la idea de las castas tiene un regusto a Edad Media, parece que ha sido una pieza muy importante a la hora de ensamblar las diferentes etnias, culturas y religiones que componen ese bestial mosaico de realidades que es la India. Ahí lo dejo, y el que quiera que lea más sobre el tema ;).
Total, que me fui el martes para el Espai d'art con la mente clara y con lo que quería hacer bien presente: continuar en la dinámica del otro día: pinceladas largas y que moldeen las formas, darle cierta "energía" al lienzo. Y como en la última sesión estuve trabajando principalmente las figuras, era el momento de atacar el fondo. No planteaba unas dificultades locas en principio, a excepción de la pared de la derecha, que me dio y me dará trabajo, pero es lo que hay. En un primer momento, más o menos la primera hora, me dediqué a las rocas con toques de luz blanquecina del fondo y ya de paso estuve metiéndole mano al recipiente que la señora lleva sobre la cabeza. Como idea fundamental, quería que el claroscuro estuviese bien cogido, y por otro lado, que no estuviese soso de color. Es en este punto en el que introduje los primeros magentas, verdes y azules, pero muy poco saturados, con poca concentración de pigmento. Y el resultado me gustó:

 

Pero casi más que lo que veía, me iba gustando lo que hacía, el tipo de pincelada, la manera en cómo esta pincelada definía los espacios y las texturas,... Me sentí muy cómodo durante toda la sesión y yo creo que eso se notaba en el cuadro, que transmitía este estado de cosas. De segundo me dispuse a trabajar el templo y el bloque de piedra de la derecha. Para el templo tenía una cosa clara: me atraían los tonos usados para el primer acercamiento y quería mantener ese espíritu lleno de tonos rosados, turquesa, verde claro,... Y a mi entender que lo conseguí en buena medida aparte de dotarlo de una luz especial, lo que me acerca al objetivo de plasmar las cosas de una forma parecida a como lo hacía Joaquim Mir (salvando las enooooormes distancias, claro ;)). Mucho me convenció todo el trabajo de la sesión. Y ya para terminar, me quedaba la pared de la derecha. Aquí no escatimé en cantidad de pintura pero a la vez intenté mantener un mínimo claroscuro e ir generando la textura que nos va a hablar de cómo esta configurada esta pared rocosa. Y la cosa quedó de esta manera:

 

 

En este punto, todo el cuadro tiene más o menos la misma cantidad de trabajo, que romperemos el próximo día cuando nos dediquemos más en profundidad a las figuras. Esteve me comentó que le gustaba más este cuadro que el último, que estaba más acartonado. En este -decía- se ve un fluir de la pincelada y está en general más guapo. Como me gusta ir evolucionando, salí muy contento del Espai y ya estoy pensando en cómo afrontar la próxima sesión para ir dando mate al cuadrito.

 

¡Hasta la semana que viene Espai d'art! 

Urban Sketching, ¡penúltimo día del trimestre!

Como todos los sábados, con un buen regusto ante lo que me esperaba, me dirigí presto a nuestro encuentro semanal de Urban Sketching con Antonio y los compañeros de fatigas. Nos citó en el parque de la España Industrial, un parque bastante entretenido que hay al lado de la Estació de Sants con una torres muy reconocibles. Yo nunca lo había visto por dentro, sólo las torres desde fuera y tenía curiosidad cuando menos. Estuvo explicándonos Antonio de lo que se trataba en la sesión: fragmentación, a saber, coger varios elementos del parque y disponerlos sobre el cuaderno en una composición, de manera que aunque no correspondiesen a la configuración real del parque, quien lo viese inmediatamente entendiese que se trataba de este singular espacio. Nos sugirió empezar con unas estatuas que había en y cerca del estanque, así que sin más dilación me puse al asunto, previo descalzamiento de pies, que daba gusto tenerlos sobre el césped.

El primer trabajo lo hice desde el color para luego definirlo con línea: era una estatua del dios Poseidón o Neptuno (depende del cristal con que se mire) que quedó medio graciosa. Por supuesto, tenía la vista puesta en las torres. Había pensado en hacer una hilera con unas tres torres porque pensé que quedaría gracioso y me partiría un poco la perspectiva, que es de lo que se trataba. Antonio me disuadió , explicando que el otro día un alumno lo había intentado y no quedó demasiado bien. Pensé que era más sensato seguir un buen consejo y me limité a hacer una, con la ya casi habitual mezcla de acuarela, rotuladores calibrados de color y una manita de Posca.

Y de pronto ocurrió algo que me trajo reminiscencias del trimestre pasado: me quedaron dos figuras que eran como dos pegatinas, dos cromos que si bien individualmente tenían una factura correcta, daban una sensación de sosez terrible. Estuve valorando el meterle unas letras enormes que le diesen gracia al asunto, pero el profe vino con una buena sugerencia: hacer sólo con acuarela muy débil unas manchas que simulasen los cipreses que había sobre una plataforma de cemento y dejar ver el agua del estanque:

 

Fue muy acertado el seguir este consejo, y aunque creo que acabaré por meterle letras en algún momento, ya la cosa pintaba diferente. Era momento de pasar al siguiente dibujo para continuar con la fragmentación. Antonio nos comentó que había un estatua con dos toros encima de los que se situaban unas figuras divinas (divinas de deidades, no de maravillosas XD). No entendí muy bien cómo iba a romper o mejorar la composición, cuando me dijo: 'Haz sólo la cabeza de los toros en gigante con línea'. Admito que de entrada pensé que era una locura, pero cuantas más vueltas le daba, más interesante me parecía el reto. De pronto tendría una figura con línea que me contrastaría con el dibujo anterior y que sería una salvajada de dos páginas que serviría como ruptura para los próximos dibujos. Vaya, que no le veía mas que ventajas :). Y sin más lo hice, con líneas 'asalvajinás' en rotuladores de diferentes grosores y utilizando el sepia también:

Como toque final y siguiendo la cadena de recomendaciones, introduje algo del rotulador gris de punta blanda que me había comprado para las zonas de máxima sombra y una buena mancha anaranjada en el fondo para que resaltase el figura en blanco. Muy muy muy contento quedé con el resultado. Lo comentaba con una compi del curso: da pereza ponerse con un dibujo de línea, pero una vez que se empieza todo va fluyendo y el resultado es bastante agradecido. Después de estar de charleta un rato e intercambiar contactos de Instagram e historietas varias, me marché a comer y a disfrutar de un merecido día de playita y paseos.
¡Hasta la semana que viene Urban Sketchers!

Acuarela en la Academia Taure

Me pasé un buen rato el viernes por la tarde pensando en qué materiales llevar a la Academia Taure para la sesión de modelo. En un principio había pensado en el carboncillo, e intentar darle un enfoque un poco diferente al trabajo, con más trabajo de sombreado y menos de línea. Sin embargo, según se iba acercando la hora, vi que me apetecía más meterme en el barro con las acuarelas, los rotuladores y los Posca. Un poco al estilo de lo que hago en el curso de Urban Sketching, pero con modelo ;). Tuve que salir de casa algo antes de lo previsto, pues no tenía un bloc de apuntes para técnicas húmedas, así que me pasé por Piera ya que tengo fichados los cuadernos de batalla que están a un precio muy majo.
Una vez en la Academia Taure, no sabía si tocaba modelo masculino o femenino (llevaba unas cuantas semanas sin aparecer por azares varios), pero la modelo ya estaba allí, con lo que se disiparon las dudas. Era una modelo que ya había venido alguna vez, con unas poses muy agradecidas para el dibujo y que daba mucho juego a la hora de dibujar las manos. Quise empezar un poco a lo salvaje con grandes manchas de color, pero el pincel recargable, pese a sus muchas ventajas, tiene el inconveniente de no ser muy útil para cubrir zonas extensas del papel. Pronto deseché esta idea y empecé a hacer unas manchas tenues para marcarme la pose general y sobre ello iba oscureciendo tono con la acuarela, para rematarlo todo con los rotuladores negro, sepia, gris de punta blanda y por supuesto, una última pasadita con los Posca que le dan mucha personalidad al resultado. Y debajo podéis ver cómo fue evolucionando el asunto:

Según me iba con mi cuaderno bajo el brazo, pensaba en cuán diferentes son los apuntes que hago ahora de los de hace uno, dos o tres años... ¡No tienen nada que ver! Y por otra parte, también me preocupo ahora de otras cosas: de que las proporciones sean correctas, la expresión de la cara, la luz y la sombra, el dinamismo de la pose... En fin, poco o nada que ver con los en ocasiones fútiles intentos pasados de sacar algo en claro. Otra cosa ha cambiado: el porcentaje de dibujos que me gustan al salir de una sesión ahora es muy superior a otros años, en los que se podían salvar dos o tres como mucho. Progreso, parece que lo llaman :). Y con esto acabé la semana, lito para irme a un brutal concierto de Ben Frost que organizaba el Caixa Fórum en su ciclo DNit ¡un día redondo!

¡Hasta la semana que viene Academia Taure!

Dando un buen empujón al dibujo de la semana 12

¡Amig@s! Aunque no lo había posteado todavía (llevo un par de días negros en el curro), estuve el miércoles dándole un empujón al dibujo de la semana 12. Y uno de los buenos, he de decir. A pesar de no estar muy convencido con el tema elegido, ni con la foto, ni con 'ná', al empezar el trabajo, de pronto me fui encontrando a gusto con lo que iba saliendo y cuanto más hacía, mejor lo veía, en una suerte de círculo virtuoso muy guay que me ayudo a avanzar bastante en cosa de un par de horas que le pude dedicar. Lo primero que quería hacer y que me estaba quemando ya la mano, era corregir la posición de la cola. La línea de referencia respecto de la última pata no tenía la inclinación correcta y fui presto a modificar este ligero detalle pero que a mi entender estaba estorbando el dinamismo de la imagen. Ok, una vez hecho esto, era cuestión de armarse de paciencia porque el claroscuro es complicadito de narices (y más viniendo de una foto a color, lo que empiezo a intuir que es un error más o menos grave). Aunque a la hora de la verdad y por lo menos al inicio, intenté ser más sintético en el uso del carboncillo, es decir, hacer manchas más contundentes para generar el valor general en cada zona, que luego iré matizando en sucesivos acercamientos. ¡Basta de cháchara! Debajo de estas líneas un primer progreso:

Esto ya iba pareciendo algo... Se imponía seguir al mismo ritmo y con las mismas directrices:

Aquí hubo un rato que lo pasé realmente chuuungo haciendo el lomo (¿qué tienen los escorpiones? ¿Lomo? ¿Espalda?) porque se me fue el santo al cielo y me puse a trazar cada mínima sombra que encontraba. Me costó un rato darme cuenta y posicionarme, de manera que volviese a la valoración de tonos general, que ya habrá tiempo de detalles un poco más adelante. Especialmente complicada fue la parte correspondiente a la cabeza del animal, porque la foto tampoco es muy buena ni muy explícita al respecto. Pero como todo, con paciencia y tesón, saqué un parecido razonable. Y de ahí a continuar:

Un ratito más para hacer la pinza de primer plano y tener toda la figura ya hecha. Como ya he comentado en alguna otra ocasión y según yo aprendí a dibujar, esto que he hecho no es muy acertado, pues he prescindido totalmente del fondo y de su relación con la figura, lo que le puede restar coherencia al dibujo. Me he permitido este detalle, porque pienso darle untratamiento muy sucinto y leve al fondo, a saber, que no me voy a detener a hacer todas las piedrecitas y todos los granos de arena que encuentre. Me basta con que el tono sea correcto y con que se genere la sensación de textura arenosa-rocosa. Y para rematar:

No sé si es un efecto de la cámara al hacer la foto, pero resulta sorprendente cómo se atenúan las sombras del escorpión al ir trabajando el fondo, como si ya no fuese tan oscuro. Y es que a esto me refería precisamente antes: todo influye sobre todo y es por eso que es preferible dibujar todo a la vez centrándose en los tonos (sena de fondo o defigura) para después ir dando a cada elemento un tratamiento distintivo.
Aquí quedó la cosa, aunque parece listo para archivar, todavía le queda currete y es probable que una sesión de unas 2 a 3 horas, cosas del detalle.

¡Hasta la próxima!

¡Bom dia alegria!

¡Buah! Parece que hubiese pasado un siglo desde la última vez que posteé algo. La verdad es que hace un rato, 6 días para ser exactos, pero parece una eternidad, sobre todo porque en Mayo llevaba un promedio de entradas bastante importante. Estos días he tenido en casa a mi familia y, claro, no era cuestión de ponerse a dibujar, además de que básicamente no hemos tenido tiempo para nada (¡estábamos de comunión!). Eso y el festivo del lunes en Barcelona han dado lugar a esta mini sequía. Pero no hay miedo, ayer era día de Espai d'art y tenía un par de horas por delante para explayarme con el que será el último óleo del año. Mientras estaba disponiendo los colores sobre la paleta estuve hablando con Esteve de como enfocar este cuadro. Ya habíamos dicho de intentar sintetizar y tenerlo en unas 4 sesiones, lo que obliga a pensar cada paso y a ser más resolutivo. También me recordó la idea de que las pinceladas tienen que fluir, es decir, tenemos que conectar pinceladas largas incluso entre diferentes figuras (y no sólo dentro de la misma). Por otra parte, me concentré bastante en que no se me ensuciaran mucho los colores, en clavar los claroscuros y en dar grandes paletadas con una buena cantidad de pintura donde fuese necesario (como por ejemplo en el sari de la figura de primer plano).
Parece que en esta ocasión estuve más centrado y tuve todo esto a la vez en mente, sin olvidar las valiosas lecciones aprendidas de la observación de Joaquim Mir y su manera de pintar. Cuando faltaban unos 45 minutos para acabar la clase iba por aquí:

 

Es decir, me había dedicado fundamentalmente a la figura principal y la mujer que queda tapada por ésta (de la que se aprecian un brazo y parte del pelo). Tambíen deposité unas hermosas cantidades de pintura en la pared rocosa de la derecha y por último había estado trabajado la ropa del señor de la camisa blanca.

En definitiva, que me quedaban 45 minutos para ir "subiendo" el resto del cuadro, o sea, para que todo tuviese una cantidad de pintura semejante. Dado que parecía una misión imposible, me limité a hacer el resto de figuras, y otro día trabajaré el fondo más a fondo (¡cacofonía redundante!). El resultado al acabar la sesión es como sigue:



 

 

Muy bien respecto al día anterior he de decir. Sobre todo por la vivacidad de los colores, ya que la gente de la izquierda del cuadro había quedado sugerida en una maraña de marrones y colores bastante sucios que no hacían ningún favor al cuadro. Me gustó mucho la idea de conectar pinceladas y creo que en efecto, le da otro aire al cuadro. Las expresiones de la cara todavía hay que currárselas mucho, pero especialmente el señor alto ha quedado muy interesante con un trabajo muy sencillo, e incluso el pelo lo he resuelto en un par de pinceladas muy expresivas. Así que puedo decir que en general me gusta el rumbo que va tomando el lienzo. Le comenté a Esteve que me molaba como había quedado la estructura arquitectónica de la izquierda y creo que intentaré utilizar esta gama de colores porque me gusta el colorido que aporta.

Sin más me fui a casa, no sin antes recuperar el cuadro del bebé dormidito, que ya estaba seco y que se suma a todos los demas que voy acumulando en casa.

 

¡Hasta la semana que viene Espai d'art!

Encajando y con prisas. Dibujo de la emana 12

¡Madre del amor hermoso! ¡Qué malas son las prisas! Ayer tenía unas cositas que hacer por casa y fuera de ella, así que cuando me quise dar cuenta eran las 20 h y estaba de los nervios porque ni siquiera había empezado el encaje para el dibujo de la semana 12. Para colmo de males me di cuenta demasiado tarde de que la foto original era muy pequeñita, y estaba demasiado pixelado. Arreglé esto como pude con el GIMP y decidí ponerme al lío aunque sólo fuese para dejar encarrilada la estructura básica del dibujo.
Empecé con ello, pero al poco rato de empezar y estar tomando medidas, me dejé llevar por el ansia y fui relacionando unas partes con otras pero sin tener un esquema general del encaje. Esto, como se verá luego, fue un gravísimo error. Lo que quiero decir, es que en lugar de situal el "perímetro" del escorpión en el papel, para relacionarlo correctamente con los bordes que es mi referencia fija, pues nada, con mucha alegría me puse a tirar líneas desde las pinzas del arácnido:

Síiiiiii hasta ahí parece estar todo bien. Pero al terminar el encaje me di cuenta de un par de cosas:

El fallo más garrafal es la posición de la cola respecto al cuerpo del bicho, demasiado inclinada hacia la izquierda y restándole dinamismo a la composición de la fotografía original. Pero no acaba ahí la cosa: la última de las patas de la izquierda debería estar mucho más cerca del borde del papel, las pinzas no estaban bien situadas y hubo que corregirlas, buenobuenobueno, un cúmulo de despropósitos. Ahora viéndolo a aro pasado no se me antoja tan chungo, pero igualmente lo retocaré por los espoleos del perfeccionismo. Veremos cómo va la cosa con el claroscuro, porque me parece que mis problemas no se han acabado aquí...

¡Hasta la próxima!